Durante su corta pero vibrante vida, Rafael Santi creó muchas obras maestras, que aún no son iguales. Fue seguidor de los artistas Perugino, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, pero al final logró la perfección y una manera realista inimitable en la pintura. Conocemos la gran variedad de pinturas de Rafael, pero trataremos de elegir las obras más famosas y bellas entre ellas.
Las 20 obras más asombrosas de Raphael Santi:
1
Donna Velata (1516)
Rafael estaba en la cima de su trabajo cuando pintó un retrato de "Donna Velata" o "Lady with a Veil". Tenía solo 32 años.
Margarita Luti, una niña ordinaria, la hija de un panadero es representada por el artista con temor y amor, ya que ella era su sentido de la vida. Rafael estaba tan enamorado de la niña que le ofreció a su padre un gran rescate en efectivo: más de 3.000 ducados. Fornarina, así llamó a su esposa Raphael, que significa "bollo". La pareja estaba feliz. Y después de 6 años, Rafael murió repentinamente. Margarita no aceptó la enorme herencia de su esposo y fue al monasterio, donde tenía fama de ser su viuda hasta el final de sus días.
Margarita en el retrato está representada con ropa de delicados tonos beige y rosa, su cabeza, como la de una mujer casada bajo un velo. Santi, enamorado, transmitió la belleza y el carácter tranquilo de su esposa en una pose refinada y elegante. La cara de Margarita es tan tierna como un melocotón, sus ojos son hermosos, enormes y están bendecidos con felicidad. Un hermoso cuello y peinado está decorado con joyas. Margarita se representa en el retrato como una joya exquisita, y la admiración del maestro por su modelo se transmite al espectador.
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2
La Transfiguración (1516-1520)
Rafael comenzó a escribir "Transfiguración" para el altar de la Catedral de Narbona, a pedido del cardenal Giulio Medici, pero no lo completó, ya que murió repentinamente de una enfermedad desconocida. La pintura fue completada por el artista Giulio Romano.
La trama se basa en la historia del evangelio cuando Jesucristo decidió revelar su esencia a los discípulos. Desde el cielo, los apóstoles escucharon la voz de Dios de que Cristo es su verdadero Hijo.
Después de esto, Jesús bajó de la montaña con los apóstoles, y el desafortunado padre se volvió hacia él con una solicitud para sanar a su hijo del diablo que se había establecido en él.
Rafael retrató a Jesús volando sobre todo, lo cual es un símbolo de su divinidad. Un poco más abajo, en el medio del lienzo: los apóstoles esperan a Cristo, y las personas se reúnen debajo, esperando un milagro de curación. La parte superior clara y aireada de la imagen fue pintada por Rafael, y la parte inferior es más oscura por otra persona. Aquí puedes ver la mano del maestro, quien escribió de una manera completamente diferente.
3
Madonna Sixtina (1512)
Rafael pintó la imagen de María y Cristo muchas veces, pero esta obra, destinada al altar de la capilla de Sixto II, se convirtió en una verdadera obra maestra. La imagen de Madonna Santi fue escrita por su esposa Margarita (Fornarina). Un rostro hermoso e inspirado refleja la tristeza universal y el dolor de una madre que anticipa el sacrificio de su hijo y su muerte por la salvación de toda la humanidad. En la parte superior de la imagen, rodeada de ángeles etéreos, Mary está caminando, sosteniendo suavemente a su más querido en sus brazos: el niño Jesús.
El niño está representado en plena salud, con el pelo ligeramente despeinado. Su aspecto angelical contrasta con sus ojos inteligentes para la edad, como si ya supiera todo sobre su destino. Sixto II y la gran mártir Bárbara se inclinaron a los pies de María. Debajo, en el borde del lienzo, como si miraran por una ventana, dos ángeles traviesos miran despreocupados. No intervienen en lo que está sucediendo, ya que saben de antemano lo que les espera a Mary y a su hijo.
4
Stanzi (1508-1517)
fresco "Virtudes y la ley".
La pintura (frescos) de los edificios del palacio del Vaticano, realizada por el maestro junto con sus alumnos, se llama Stanza della Senyatura (la llamada Sala de la Firma). Las paredes de esta sala están decoradas con frescos "Escuela de Atenas", "Disputa", "Justicia" y "Parnaso". Uno de los más famosos son los frescos "Escuela de Atenas" y "Disputa". Ahora aprenderás sobre ellos.
5
Escuela de Atenas (1508)
Escuela ateniense.
Rafael Santi fue un pintor muy famoso entre sus contemporáneos, y en 1508, a pedido del papa Julio II, fue a Roma a pintar las principales instalaciones del Vaticano. Uno de los frescos de Stanzadel Senyatur es un fresco que representa la filosofía. Se llama la "Escuela de Atenas" y representa a los principales pensadores desde la antigua Grecia. En los escalones ascendentes de la escuela ateniense, debajo de los enormes arcos en el centro, se representan a Platón y Aristóteles. Platón señala el cielo y Aristóteles a la tierra, uniendo el espacio celeste y el terrestre.
Sócrates habla con Alejandro Magno, Pitágoras en la parte inferior izquierda, en el círculo de estudiantes, desentraña el teorema. Santi también retrató al gran Miguel Ángel contemporáneo en la imagen de Heráclito. Euclides dibuja un dibujo de brújula.
Rafael pintó más de 50 figuras en un fresco. Los pasos del edificio representado se elevan, identificando los períodos de desarrollo de la filosofía y diversas ciencias.
6
El fresco "Disputación" (1509-1510)
En el centro de la composición está la Santísima Trinidad. Dios el Padre, Jesucristo y el Espíritu Santo en forma de paloma. Junto a Cristo están su madre, María y Juan el Bautista, y luego en la nube se sientan los santos Pedro, Pablo y otros personajes del Evangelio. Debajo de los frescos, eruditos, filósofos y pontífices de la iglesia lideran un debate teológico.
7
Fresco "Parnaso" (1511)
Al principio este fresco se llamaba "Poesía", un poco más tarde se hizo conocido como "Parnassus", se encuentra entre el fresco "Escuela ateniense" y "Disputación". La poesía fue muy valorada durante el Alto Renacimiento, y fue considerada arte divino. En una colina en el centro del fresco, Apolo toca un instrumento musical moderno: la lira da braccio, que aún no había estado en la antigua Grecia. Por esto, Rafael transmitió la continuidad de las culturas. Alrededor de Apolo, musas y poetas Homero y Miguel Ángel, a quienes Santi también atribuyó a los grandes poetas.
8
El compromiso de la Virgen María (1504)
El compromiso de la Virgen María es la obra más venerada del artista. Es una transición lógica de la forma de pintar de la escuela de Perugino a una manera que superará la habilidad de Rafael y se convertirá en un hito en la era del Gran Renacimiento.
Raphael se inspiró en los frescos de su maestro Perugino. Al firmar esta pintura, Santi, ya como un verdadero maestro, se declaró con confianza en todo el mundo.
Los personajes principales de la imagen son la Virgen María y el prometido Joseph, que pone un anillo de bodas en su dedo. Una pareja está rodeada de testigos de lo que está sucediendo. El bastón floreciente en la mano de José significa que María es elegida por Dios. Los bastones de los otros pretendientes, que se mantienen separados, permanecen igual, y están rotos por la desesperación.
Esta es una de las pinturas más famosas de Rafael. El esquema de color es muy tranquilo, prevalecen los tonos marrones y amarillos. El vestido rojo brillante de María significa la sangre de Cristo, y la capa azul: su integridad.
9
El triunfo de Galatea (1512)
El triunfo de Galatea es un mural pintado por Rafael para la sala de banquetes del banquero de Siena Agostino Chigi. Ella retrata la ninfa de la calma de la superficie del agua de Galatea, que vuela a través de las olas, de pie sobre una concha dibujada por delfines. Está rodeada de tritones, moluscos y otros personajes marinos fabulosos. Los cupidos circulaban sobre ellos, apuntando en todas direcciones con sus flechas. El exquisito fresco está lleno de alegría y diversión.
10
La bella jardinera (1507)
El "Hermoso jardinero" de Raphael representa a la Virgen María y dos bebés: su hijo Jesús y Juan el Bautista. La adorable joven María es la encarnación de la feminidad, la maternidad y el amor sin límites. Ella se vuelve hacia Jesús, ligeramente inclinado sobre él. El pequeño Jesús también está absorto en su madre, él presionó confidencialmente contra ella, y ella lo apoya por el brazo y los hombros. El idilio de comprensión entre la madre y el bebé se enfatiza por sus gentiles puntos de vista. El pequeño Juan se inclinó ante Jesús. En sus manos hay una cruz, como símbolo del crucifijo.
Las figuras se adaptan orgánicamente al hermoso paisaje, lo que crea una sensación de ligereza y felicidad sin nubes.
11
Las tres gracias (1504)
Presumiblemente, "Three Graces" Santi escribió a la edad de 17 años. ¿Qué llevó a Raphael a escribir una imagen tan compleja a una edad tan temprana? Santi se quedó sin una madre temprano, y siempre se sintió atraído por la imagen pura de la Virgen, como símbolo de la juventud y la maternidad. Creando "Three Graces", Raphael combinó la imagen de las antiguas diosas y el rostro de la inmaculada Madonna, ya que las gracias eran un símbolo de juventud, amor y pureza.
Las tres gracias que identificaron estas hermosas cualidades exaltadas se llamaron Belleza, Amor e Inocencia. Las chicas de la foto son jóvenes y hermosas, sus rostros brillan con pureza y amabilidad. Se aferran suavemente el uno al otro y cada uno en su mano sostiene esferas doradas, un símbolo de las legendarias manzanas de perfección obtenidas por Heracles. La figura central de una de las gracias se da vuelta de espaldas al espectador, las dos figuras extremas se enfrentan al espectador, pero sus ojos se dirigen en diferentes direcciones. Esta pintura temprana de Rafael es uno de los primeros pasos en el camino hacia la perfección impecable.
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12
"Retrato del conde Baldassare Castiglione" (1515)
El conde Baldassare, un diplomático y escritor italiano, fue embajador del duque de Urbinsky, sirvió en la corte del rey Luis XII de Francia. Fue autor del libro "Diálogos sobre la corte", popular en aquellos días, que describe exquisitas costumbres y conversaciones en el curso de la formada Corte Urbinsky. Raphael retrató al conde como un hombre muy digno e inteligente, en general. El retrato está pintado en tonos marrones oscuros, y solo el color de los ojos azules llama la atención. Esta mirada segura y tranquila atrae mágicamente al espectador.
13
"Posición en la tumba" (1507)
Entre la nobleza italiana había una tradición, en honor a algún evento trágico, de ordenar pinturas de artistas eminentes con la historia del evangelio. Tal fue la imagen "Posición en la tumba", que fue ordenada por Atalanta Baglioni en memoria del hijo fallecido. Hay muchos dibujos y bocetos realizados por Rafael antes de comenzar a trabajar.
Como resultado de un trabajo tan titánico, nació una imagen con una composición impecable. Representa dos grupos de personas separadas por dos líneas imaginarias que divergen en diferentes direcciones. Las mujeres que acompañan a la Virgen están inclinadas hacia la derecha, los hombres llevan el cuerpo de Cristo hacia la izquierda. Cristo está representado en el centro. Su cuerpo atlético ideal se parece a Cristo de la escultura "Pietta" de Miguel Ángel, ya que en ese momento el artista quedó muy impresionado por la creatividad de este titán de la escultura y la pintura.
14
Fornarina (1520)
La imagen está pintada al óleo sobre una tabla de madera. Los estudiantes del artista también participaron en este trabajo. La imagen muestra a una joven semidesnuda con un exquisito tocado. La modelo era la esposa de Raphael, a quien tiernamente llamó "Fornarina", que se traduce del italiano como "bollo". De hecho, la bella esposa del artista se llamaba Margarita Luti. Santi escribió repetidamente a su amada; ella lo inspiró en imágenes más elevadas, como la Madonna Sixtina.
15
Fresco "La expulsión de Eliodor" (1512)
La trama de este mural fue tomada de los textos del Antiguo Testamento. El comandante del rey sirio, Eliodor, trató de confiscar oro del Templo de Jerusalén para los pobres. Por esto, Dios lo castigó enviándole un jinete con armadura de oro. El fresco fue una alegoría de la derrota de las tropas francesas en la región papal bajo el liderazgo del papa Julio II, conocido no solo como un excelente comandante militar, sino también como un generoso filántropo. Este mural se parece visualmente al mural de la Escuela de Atenas. Composicionalmente, se divide en dos partes iguales: izquierda y derecha. En el lado izquierdo, Rafael representó a su patrón, el Papa Julio II, y una multitud de viudas y huérfanos, y en el lado derecho, Eliodor, quien es expulsado del templo por un jinete sobre un caballo blanco.
Una perspectiva bellamente construida de la composición transmite la profundidad del espacio, en el punto de convergencia de todas sus líneas se representa un menor, lo que indica que este es el Segundo Templo en Jerusalén. El gran lugar del evento se destaca por la rica pintura de las bóvedas.
16
"La batalla de San Jorge con el dragón" (1504–1505)
Dejando Perugia, el joven Rafael fue a Florencia, donde, rodeado de grandes pintores, dibujó nuevas ideas y métodos de pintura. La pintura "La batalla de San Jorge con el dragón" está pintada al óleo en un árbol e identifica el período de transición del estilo de la escuela de Umbría, que era lineal, al estilo de la escuela florentina. Santi se sorprendió por las obras de Leonardo y Miguel Ángel, su realismo y significado profundo. La historia bíblica sobre el tema de San Jorge el Victorioso fue muy popular, y Raphael no podía perder la oportunidad de pintar un cuadro sobre este tema. caballo blanco George pisotea los cascos del dragón, y el santo lo atraviesa con su lanza.
San Jorge está representado en una armadura medieval y se parece más a un caballero. El dragón está representado por un monstruo de cuento de hadas impensable, que combina partes de varias aves y animales. La imagen es extremadamente realista, el paisaje contra el cual se desarrolla la batalla está cuidadosamente escrito, pero no obstruye el primer plano. Su apagada gama marrón-oliva enfatiza perfectamente la blancura del caballo y el resplandor de la armadura del jinete.
17
"Virgen de la Gran" (1505)
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"La Virgen de los Grandes" representa la historia del evangelio más popular: la Virgen y el Niño. Fue escrito bajo la gran influencia de las obras de Leonardo da Vinci. Esto es especialmente notable cuando se compara esta imagen con trabajos anteriores de Raphael. Está hecho en la técnica de sphumato, que suaviza los contornos de las figuras, transfiere aire y espacio. Los estudios de restauradores mostraron que anteriormente detrás de la Madonna se representaba una ventana con un paisaje, como en algunas obras de Leonardo. Pero posteriormente se pintó la ventana y el fondo de la imagen se oscureció por completo. Se desconoce quién hizo estos antecedentes, el autor mismo o las restauraciones posteriores.
María está vestida con un vestido rojo con un borde negro, clásico del siglo XVI, con un velo azul sobre su cabeza. Estos colores son tradicionales: el rojo significa el símbolo de la sangre de Cristo y el azul significa la pureza de la Virgen. La cara de María es triste y tranquila al mismo tiempo. En sus manos, sostiene suavemente al niño Jesús, que se parece a un niño común, gordito y fuerte. Posteriormente, esta imagen que Rafael usó en sus otras pinturas que representan a la Virgen y el Niño.
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"Madonna en la silla" (1515)
"Madonna en la silla" es una de las pinturas más bellas del Renacimiento, que representa a la Virgen y el Niño. El modelo para la pintura de Raphael fue nuevamente servido por su amada modelo, su novia y esposa Margarita. Este trabajo refleja el tamaño y la madurez del artista.
La forma redonda de la imagen suaviza la imagen, la hace acogedora y hogareña. Todo el espacio está completamente lleno de tres figuras: María, el niño Jesús y el bebé Juan el Bautista. El Niño Jesús toma el centro del escenario, sentado cómodamente en los brazos de su madre. María sostiene a su hijo con fuerza contra ella, mientras que al mismo tiempo, Juan el Bautista mira a Cristo con súplica. Los colores brillantes dominados por el azul, el rojo jugoso, la esmeralda y el ocre dorado se ven increíblemente hermosos sobre un fondo oscuro. Y a pesar del hecho de que Mary se parece a una mujer terrenal ordinaria que abraza a su hijo, su ropa elegante, su belleza espiritual sublime enfatizan el alto estatus de la Virgen.
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Retrato del papa Julio II (1512)
Hay dos retratos similares del Papa Julio II, uno de los cuales es el trabajo original de Santi, y el otro es una copia del retrato, realizado por los discípulos de Rafael. Los contemporáneos afirmaron que el papa en el retrato parece vivo.El manto rojo del papa se ve muy contrastado con un fondo verde brillante.
La cara de papá está arrugada y enmarcada por una barba gris, sus ojos son pensativos y penetrantes, pero en general, la figura de Julio II todavía está llena de fuerza y energía. Este hombre dirigió campañas militares activas durante su vida, pero al mismo tiempo fue un increíble filántropo que apoyó el trabajo de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Un año después de pintar el retrato, el papa Julio II murió, pero permaneció para siempre en la pintura de Rafael. Un papa único, mecenas del arte del Alto Renacimiento.
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Retrato de un hombre joven (1513-1514)
Presumiblemente este es el autorretrato de Rafael, ya que la cara del joven es muy similar al único autorretrato confirmado del artista. Un joven muy guapo está sentado a medio camino del espectador. Su largo cabello castaño cae casualmente sobre sus hombros desde debajo de una boina famosa. Una mirada confiada, la pose relajada de un joven sugiere que él sabe lo que vale.
Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis robaron esta imagen de la finca de los príncipes Czartoryski (Polonia) y la escondieron en un lugar desconocido. Durante mucho tiempo fue considerada perdida. Solo muchos años después, el gobierno polaco confirmó que la pintura es segura en una colección privada.
Epílogo
El trabajo de Raphael Santi es un patrimonio mundial de la humanidad. Este ingenioso creador del Gran Renacimiento nos dio, a sus descendientes, ejemplos únicos y hermosos de pintura. Fue admirado por sus contemporáneos que, después de la muerte del artista, escribieron en su lápida que durante su vida la naturaleza tuvo miedo de ser derrotado y de morir después de su muerte.
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